Charte

1. La mission de l’école de théâtre est de former des acteurs à la scène.

  • L’apprentissage du jeu à la caméra et au micro complètent la formation.
  • La formation comprend l’étude de tous les corps de métier relatifs à la scène

2. La mission d’origine a été de formuler un apprentissage alliant deux pratiques différentes.

  • Celle de Jacques LECOQ
  • Celle du Conservatoire National de Paris (Serge Martin ayant enseigné dans les deux institutions).

3. L’école est considérée comme un chantier.

  • Nous travaillons toujours pour demain avec une mémoire réactivée par les élèves d’aujourd’hui. Cet héritage vivant s’allie à une curiosité envers les naissances artistiques et les nombreux auteurs dramatiques. Nous cherchons.
  • La scène de théâtre est le lieu d’invention par excellence, et le geste artistique, le meilleur geste éducatif qui soit. A l’abri des contingences professionnelles, le droit à l’erreur permet d’explorer les possibles. Les essais révèlent les
    acteurs.
  • Notre discernement étant imprécis, la recherche de la justesse est une priorité

« Créer, c’est se souvenir profondément »
Rainer Maria Rilke.

4. Le travail en équipe

Chacun doit pouvoir se réaliser au sein d’un petit groupe qui devient de fait une équipe où chacun travaille pour les autres.

5. Le parcours personnel de chaque élève.

  • Le suivi nous importe beaucoup. Les intervenants extérieurs doivent voir les élèves dans leur travail avant de planifier celui qu’ils proposeront.
  • Les metteurs en scène ne viennent pas faire une mise en scène mais travailler pour chaque élève (et la classe dans son ensemble).

6. Les autres objectifs

  • Le cours d’improvisation (qu’est-ce qu’improviser ?) est capital dans l’écoute indispensable du partenaire et pour le partage du jeu sans a priori.
  • Le cours de dramaturgie est capital :

– pour l’étude des références et la pensée plurielle

– pour l’analyse des spectacles qui se jouent aujourd’hui et la comparaison avec la formation proposée.

  • Les ateliers sans professeur sont une source de créativité et autant d’expériences de travail en commun.
  • L’approche et l’étude de textes contemporains est de rigueur.
  • Faire naître ou développer la curiosité.

7. La coordination des cours

  • Toute information relative à la structure, l’emploi du temps, les actions extérieures de l’école, est diffusée pour tous
  • Tout remplacement doit être agréé par la direction
  • Les progressions des cours, surtout en Deuxième année où les cours techniques peuvent être liés aux cours de jeu, sont partagées lors des réunions de l’équipe pédagogique.

8. L’équipe pédagogique

  • assure le suivi de chaque élève
  • se réunit pour le bilan de chaque saison, sur l’exigence de l’enseignement et les modalités de changement
  • envisage les orientations et le futur de l’école
  • définit les critères de sélection.

9. Sélection des élèves

  • La sélection des élèves se fait d’abord sur dossier (lettre de motivation, curriculum vitae…), puis par stage si le candidat répond aux critères de sélection.
  • Une sélection en fin de Première année conserve les élèves qui finiront leur formation.

10. Egalité et pluralité

  • Toute personne sélectionnée doit avoir la chance de pouvoir suivre l’enseignement sans aide extérieure.
  • Le temps d’apprentissage doit laisser une place aux élèves afin de leur permettre de travailler un quart temps. Ainsi, l’école ne s’adresse pas seulement à ceux qui ont les moyens d’en payer l’apprentissage.
  • L’augmentation de l’écolage suit le coût de la vie, mais une attention particulière est portée afin de limiter cette augmentation au maximum.
  • L’équilibre hommes – femmes chez les professeurs est une préoccupation de chaque saison (l’équipe pédagogique rassemble 4 femmes et 4 hommes).

11. Nous plaçons l’acteur au centre de la représentation

Copeau, Stanislavski, Brecht) ayant comme moteur principal sa propre créativité, ce qui permet d’échapper à tout genre de formalisme. Nous ne sommes pas là pour trouver quel genre de théâtre, quel emploi, les élèves peuvent assumer. Ainsi, nous serons attentifs à ce qu’ils ne soient pas distribués dans les mêmes rôles. Il y va de l’expérience et de la formation de chacune, de chacun.

12. La transmission est au cœur de la pratique théâtrale

  • Nous sommes conscients d’être soumis au présent de la scène vivante. Il nous faut échanger avec le public durant notre présent. Nous devons être l’objet d’une réception.
  • Cette responsabilité vis-à-vis des futurs spectateurs a une influence sur les choix des expériences à faire.
  • Nous devons former des acteurs « vecteur d’échange » avec le spectateur.

« Seules les leçons de la réalité peuvent nous apprendre à transformer la réalité. »
Bertold Brecht

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